Cine de Israel en el Juan de Salazar

Este martes 13 de octubre, tendrá lugar a las 20:00, en el Auditorio Manuel de Falla del Centro Cultural Juan de Zalazar (Herrera casi Tacuary), la proyección de una película en el marco del Ciclo de Cine Israelí. Se trata de ‘Las Medusas’, una ficción de los directores Etgar Keret y Shira Geffen.

La película narra la historia de tres mujeres israelíes, muy distintas entre sí, que viven en Tel Aviv. Sus historias se entrecruzan en un particular retrato de un Israel moderno. Batya, mesera de catering, recoge a una niña abandonada en la playa. Batya trabaja en la boda de Keren, que se queda encerrada en el baño y se quiebra la pierna tratando de salir, lo que arruina su romántica luna de miel en el Caribe. Una de las invitadas a la fiesta es Joy, una mujer filipina que no habla hebreo, y que carga con la culpa de haber dejado a su hijo en las Filipinas.

Actividades del miércoles

Este miércoles 14 de octubre, en el Centro Cultural Juan de Zalazar, se realizará la apertura oficial de la muestra de los artistas: Francis Alys, Delson Uchoa, Ana Carina Aranda, Ana Bella Geiger y Jens Kull. También formarán parte de la exposición los artistas: Adriana González Brun, Charo Oquet, Fidel Fernández y Guita Soifer.

El Catálogo de la BIA 2015, reseña los trabajos presentados por los artistas, desde las miradas de los curadores Royce Smith (EEUU), Dannys Montes de Oca (Cuba) y Osvaldo González Real (Paraguay). Con relación a la artista boliviana Sonia Falcone, se detalla: “Sus obras demuestran una gran sensibilidad de los elementos formales de la expresión artística—líneas, colores y patrones que al mismo tiempo refieren al paisaje cultural latinoamericano. Utilizando objetos cotidianos como globos, flores, espejos, vidrio y aceite, las obras de Falcone sirven como un puente de intercambio entre la familiaridad de las experiencias del espectador y las dimensiones abstractas, espirituales y menos conocidas de la artista y su tierra boliviana. Según Falcone, el arte sirve como un proceso elaborado de buscar y mantener un centro que le da a ella un equilibro en un mundo de cambios y desafíos”.

Sonia Falcone

Sonia Falcone

En cuanto a Elian Stolarsky (Uruguay), se dice que “busca conexiones potentes entre las historias individuales, los objetos del uso cotidiano, y el retrato como elemento fundamental de la fotografía. La familia, la vejez, la inmigración y la religión impactan sus obras, materializando memorias y reconstruyendo el concepto de la historia como una serie de ‘capas’ en vez de un desarrollo lineal. Los murmullos de su juventud se convierten en gritos del presente—su arte transformándose en lo que la artista nombra un[os] contenedor[es] de incisiones pasadas, generador[es] de una imagen nueva”.

Elian Stolarsky

Elian Stolarsky

En cuanto a Francis Alÿs (México), se significa que “sus obras han demostrado un nexo importante entre las culturas diversas, las ideas, las historias y las posturas. Utilizando el cuerpo, la performance, la intervención y el viaje como elementos imprescindibles de su práctica socioartística, los gestos sencillos (pero provocativos) de Alÿs documentan mundos visibles (y muchas veces escondidos) como funciones de negociación—entre el artista y los espectadores que posiblemente no están conscientes de la profundidad de sus temas. El espectador de las obras de Alÿs tiene que confrontar violencia, falta de entendimiento y prejuicios. Sin embargo, sus obras usan estas tensiones para sugerir la importancia de la belleza y su inmensidad interpretativa y su potencial, tanto como las evoluciones de lo sublime contemporáneo latinoamericano y sus propias historias”.

Francis Alÿs

Francis Alÿs

Por otra parte, también se hacer referencia a Delson Uchôa (Brasil): “No hay contradicción entre la pintura y la fotografía de Delson Uchôa. Ambas apelan a encontrar un estado de levedad y pureza espirituales en las cosas cotidianas así como un estado de fronteras permeables y convergencias. Sus pinturas captan colores puros y vivos de diferentes regiones del Brasil, y pueden expandirse a productos industriales como sombrillas chinas convertidas en soporte y nuevos objetos. Esta contigüidad se transfiere, con igual libertad, a lo fotográfico, donde el paisaje, el kitsch y la tendencia decorativista de las culturas emulan como bases de conocimiento, saberes y filosofías milenarias, en una vocación por reintegrar lo bello a un devenir transhistórico e intercultural nojerarquizado y que nos pertenece a todos”.

Delson Uchôa

Delson Uchôa

Sobre la artista Ana Carina Aranda (Paraguay): “Representa a las multitudes con pies descalzos que ella maneja dentro de su obra— que nos traen a la memoria los famosos cuadros de Nuñez Soler: aquellas manifestaciones populares en las plazas y jardines de Asunción, las fiestas populares como los peregrinos a Caacupé. Entre otras influencias, la característica más reconocida de su estilo es la circularidad espacial. La idea de sintetizar en una obra Naif los acontecimientos más resaltantes de nuestro país nos resulta sorprendente, ya que la historia del Paraguay es de por si dramática y trágica. Aquí la veremos como en un juego de niños que nos muestra la gran versatilidad, espíritu creador y lúdico de la artista”.

Obra de Ana Carina Aranda

Obra de Ana Carina Aranda

En cuanto a Ana Bella Geiger (Brasil), se consigna: “Ha demostrado durante casi seis décadas un notable compromiso con la realización y la enseñanza del arte. Ella es uno de los artistas más versátiles de Brasil, y anticipó la idea del postmodernismo antes de que este se pusiese de moda. Geiger se ha desarrollado en diferentes medios: grabados, dibujos, collages, pinturas, esculturas, instalaciones y vídeos. Su arte oscila entre la figuración, la abstracción y el conceptualismo y manifiesta una impresionante gama de intereses, que abarcan además del arte, la literatura, la filosofía y las ciencias. Ha investigado la ambigüedad o movilidad de la identidad brasileña teniendo en cuenta su propia biografía, sus desplazamientos y las cambiantes condiciones socio-políticas y culturales en torno a ella. Desarrolla nociones como “el territorio”, “el pasaje” o “la situación” como modelos de investigación para diferentes medios, lenguajes y series”.

Sobre Jens Kull se destaca que el artista sueco-mexicano explora en su práctica los impactos de lo global, lo local, y lo “glocal” en imágenes familiares o desconocidas, y espacios o procesos que afloran en sus obras. “Tocando la importancia de lugares y narraciones que reflejan significados y dimensiones locales y globales, Kull estima el arte como una práctica o paradigma inherentemente glocal donde las tensiones e interinfluencias de lo heterogéneo y lo homogéneo, las historias específicas y humanismos generales, o las diferencias entre el ser y ver son explorados profundamente y alcanzan un equilibrio singular. Kull usa las influencias escultóricas, tecnológicas y literarias para crear obras que pueden negociar con experiencias y sufrimientos cotidianos”.

Obra del el artista sueco-mexicano; Jens Kull

Obra del el artista sueco-mexicano; Jens Kull

Sobre Adriana Gonzalez Brun (Paraguay) se resalta que ha utilizado basura mediática (como periódicos) y otros materiales cotidianos como corbatas, en sus diversas instalaciones para establecer conexiones entre los espectadores y las crisis que emergen no solamente por las Américas, sino por el mundo. Se destaca por su creatividad y la fuerza de su imaginación que puede convertir la intangibilidad de la experiencia en una presencia sobrecogedora. La dictadura que padecimos durante tanto tiempo es blanco constante de sus críticas más acerbas. En suma, es una obra muy comprometida con la función que el arte tiene para cambiar la sociedad y no quedar solo con la esperanza de una utopía futura”.

Obra de Adriana Gonzalez Brun

Obra de Adriana Gonzalez Brun

En cuanto a Charo Oquet (República Dominicana), se hace referencia a su Fundación Edge Zones, a través de la cual Charo Oquet promueve narraciones contra-hegemónicas que reconocen los márgenes en comunidades periféricas de Santo Domingo y Miami. “La artista mantiene una sensibilidad marcada por la incertidumbre, el desconcierto, el descentramiento de fórmulas, tanto para su obra artística como para sus proyectos comunitarios. La realidad-irrealidad existencial del hombre de nuestros días así como las contradicciones de la vida social y política en que se desarrollan sus existencias es un interés principal. De ahí su apelación a una estética underground, y su interés por una visión antropológica en el develamiento de realidades a través de la performance o el video”.

Sobre Fidel Fernández (Paraguay), se destaca que en su obra podemos encontrar el gran interés en la historia paraguaya y los avatares de la política vistas desde una perspectiva altamente crítica. “Sus obras que nos recuerdan a una técnica parecida a la de las historietas, son escenas del trajín diario de los habitantes de la ciudad y todos los tipos y categorías sociales que los componen: el obrero, los pícaros, las marchantes, los prototipos de la azarosa vida cotidiana de nuestro pueblo. Su crítica social se centra sobre los desheredados, los pobres y los niños en siuación de calle. Él dice que su lenguaje es alegórico y simbólico, o sea que sus cuadros tienen un mensaje de denuncia y se indignan ante la miseria humana. Su estilo tiene horror al vacío, por lo tanto las figuras se aglomeran y se enciman entre sí formando bloques compactos de una humanidad aplastada por las circunstancias. En cuanto a sus esculturas realizadas sobre nidos de termitas (takuru), han causado sensación por lo insólito del material orgánico utilizado, ya que son las antípodas del mármol y el bronce. El nido de hormigas es también una construcción hecha con las secreciones de las mismas, o sea configuraciones plásticas”.

Obra de Fidel Fernández

Obra de Fidel Fernández

En cuanto a la artista Guita Soifer (Brasil), se deja constancia de su práctica artística como ejemplo de la transdisciplinariedad contemporánea—incorporando elementos de pintura, grabado, escultura, fotografía y otros medios en la mayoría de sus obras. “Soifer también exige un intercambio social con sus obras en que espectadores pueden tocar, ‘leer’, y establecer intimidades con cada pieza. Según Soifer, la visualización produce una sinestesia que activa otras sensaciones importantes para la interpretación de sus obras”.

Actividades del jueves

Este jueves 15 de octubre, tendrá lugar el coloquio “Nuevos modelos para el arte contemporáneo”, en el horario de 9:00 a 13:00, en la Sala de Sesiones del Congreso Nacional (Avda. de la República casi 14 de Mayo).

Un Comentario

Micah

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